Cuando tenía 22 años, me mudé a Colombia. A los 24, ya dirigía mi propio programa de televisión—aunque en ese entonces no le decíamos “dirigir un programa”. Antes de eso, solo había estado en un solo “writer's room”, trabajando en “De Pies a Cabeza”, una serie familiar colombiana sobre un entrenador de fútbol de barrio y sus jugadores. Terminé escribiendo unos 25 episodios de “De Pies a Cabeza”, lo cual me dio la suficiente experiencia (en mi mente ingenua) y la confianza necesaria para intentar crear algo propio.

Mi programa se llamaba “Fuego Verde”. No era muy bueno (y estoy siendo generoso). Pero vi una oportunidad: nadie estaba produciendo contenido para el público masculino de Colombia. En los 90s, casi todos los programas iban dirigidos a mujeres. Así que escribí una serie de acción y aventura con mucha comedia y corazón. El presupuesto rondaba los $60 000 dólares por episodio. Mi coescritor, Tom Quinn, y yo bromeábamos, llamando a nuestros efectos especiales “defectos especiales” porque eran graciosamente malos. Nos juntábamos a ver el programa los martes a las 8:30 pm, bien pasados y echándonos unas buenas risas.

Y, sin embargo, la serie se convirtió en uno de los mayores éxitos de la televisión colombiana. En toda su historia. Llegó a un 45 de rating Nielsen en su momento (eran diferentes tiempos).

¿Por qué?

Porque fui ingenuo. Era un gringo suertudo que amaba “The Fugitive” y pensé que sería divertido hacer algo así en Colombia. Nadie lo había intentado. Mi inocencia acabó siendo mi mayor ventaja. Y la TV colombiana era mi YouTube: me dejaron hacer lo que quisiera.

Por eso me encanta Kinigra Deon.

Como muchos YouTubers, ella llegó de casualidad. Comenzó haciéndolo como pasatiempo, se convirtió en trabajo y luego se lanzó al 100%. Aprendió. Iteró. Hoy, es una de las creadoras de contenido narrativo más exitosas de la plataforma. Se llama a sí misma—y con buena razón—“la Tyler Perry de YouTube”.

Y esto es lo que ha construido:

Su canal, @KinigraDeon, ahora cuenta con:

• 4.88 millones de suscriptores

• 909 videos

• Más de 1.8 mil millones de vistas

• 160 millones de horas vistas solo en 2023

• 70 % de esa reproducción en pantallas de TV, no en teléfonos

Esto no es un nicho. Esto no es algo pequeño. Esto es verdadero alcance.

Ha crecido su base de suscriptores casi un 20% en el último año. Según ViewStat, ha ganado entre $776 000 y $2.1 millones en YouTube solo en los últimos 12 meses. Y eso es solo YouTube: también está activa en Instagram, Facebook, X y TikTok, que aportan ingresos adicionales. Y eso sin contar tratos con marcas, mercancía o su negocio directo al consumidor.

Acaba de estar en Spotter Upfront en Nueva York, presentándose directamente ante marcas importantes. Dicen que la mayor parte del dinero real ahora viene de esos tratos.

Contacté a su empresa para tratar de obtener más información. Me dejaron sin respuesta. ¿Quién quiere hablar con un productor de TV y cine tradicional? Qué fastidio.

KINIGRA DEON: EL PRIMER VIDEO Y EL PRIMER PASO

Antes de que tuviera equipo. Antes de que tuviera una audiencia en crecimiento exponencial. Antes del flujo de trabajo y los patrocinios, solo existía Kinigra y su celular. Vivía en Alabama. Grabó su primer video para Facebook. No fue planeado ni pulido. Pero hizo reír a la gente.

En esos primeros días, dijo: “Yo era todo. Editora, videógrafa, actriz”. Ese primer video obtuvo la atención suficiente para que hiciera otro. Y después otro. Sin escuela de cine. Sin manual. Solo iterando. Y guardó todo: cada borrador, cada corte, cada error—porque estaba construyendo algo.

Hoy, su flujo de trabajo está completamente estructurado. Los editores siguen un sistema: cortes limpios, escenas etiquetadas, capas de ajuste para marcar los momentos emocionales. La estructura, dice ella, ahorra tiempo y entrena a su equipo.

Su proceso para postear es un campamento intensivo. Su asistente se encarga de la programación. Los guiones (incluso de familiares) llegan regularmente. Entre 30 y 40 actores rotan para mantener las producciones en marcha. Si ella está de viaje, las grabaciones no paran: puede enviarles una idea improvisada desde la carretera. Si un guión no está listo, el equipo lo resuelve.

Esto ya no es un simple canal de YouTube. Es una casa productora.

Y ella la lidera como tal. Permite que la gente aprenda haciendo. Una vez, un actor leyó sus líneas desde el teléfono frente a la cámara. Se enfureció. Pero la audiencia no se dio cuenta. Su conclusión fue simple: si a ella no le encanta, puede que al público sí.

Ese tipo de humildad permea todo lo que hace. Aún interviene cuando es necesario. Sigue dirigiendo y escribiendo. Pero ya no actúa en todo—solo cuando un papel realmente la llama.

¿Su meta a largo plazo? Un estudio en Alabama. Dijo en el blog de creadores de YouTube que Tyler Perry empezó con nada y hoy tiene un estudio enorme sin límites creativos. Eso es lo que ella quiere construir en YouTube.

Muchos de quienes trabajaron con ella—editores, actores, guionistas—han creado sus propios canales. Ella lo impulsa. Habló con la Academia de Televisión y dijo: “Tenemos al menos 50 actores distintos que también se han convertido en creadores”.

Uno de sus editores originales ahora dirige su propio equipo de postproducción. Mientras Hollywood intenta retener talento con contratos, Kinigra ve crecimiento en la colaboración.

ALGUNOS DE SUS ÉXITOS MÁS GRANDES

Responde al pulso social—ya sea parodiando “Barbie” o rehaciendo una versión fantástica de “Wicked”—y en ese sentido es parte Tyler Perry, parte Roger Corman.

Como Perry, construye infraestructura, emplea a su propio elenco, equipo y creativos. Y como Corman, vive de la rapidez y la relevancia. Cuando “Star Wars” llegó al cine, Corman respondió con “Battle Beyond the Stars”. Cuando “Alien” arrasó, sacó “Galaxy of Terror”. Sabía surfear la ola cultural—y Kinigra también. Se mueve rápido no solo para llegar al momento, sino para realinearlo para una audiencia que rara vez se ve reflejada en el original. Sus historias pueden evocar grandes IPs—pero la voz, el corazón y la perspectiva son totalmente suyas.

• Barbie & Ken
  Muñecas que cobran vida y enfrentan dramas del mundo real.
  Versión largometraje: más de 6.7 M de vistas

• Vampire Siblings
  Un grupo de hermanos trata de encajar mientras ocultan sus poderes sobrenaturales.
  Más de 10 M de vistas en cinco temporadas

• My Secret Love Letters
  Las cartas íntimas de una adolescente se hacen públicas y desatan un caos social.
  Versión largometraje: 1.9 M de vistas

• The Witch and the Frog
  Una adolescente bruja de piel verde aprende a aceptar su identidad y poder.
  Episodio destacado: 851 K vistas

• Students Executed (Squid Games in High School)
  Serie parodia que mezcla juegos de supervivencia y drama escolar.
  Episodios destacados: más de 1 M de vistas

Hace pruebas con sus títulos. Publica shorts para evaluar ideas. Si un clip funciona, lo convierte en serie. Si le va bien a la serie, la reedita como película. Todo es iterativo, todo se construye en movimiento.

LA AUDIENCIA Y EL POR QUÉ

Al principio asumió que creaba para niños. Pero pronto descubrió que los padres también lo veían—en familia. Su audiencia es amplia, aunque especialmente fuerte entre jóvenes afroamericanos del sur de Estados Unidos. Aun así, no la limita: cualquiera que se haya sentido extraño o invisible encontrará algo en sus historias. Esa es la gente para la que crea.

POR QUÉ HOLLYWOOD NO PUEDE HACER ESTO

Antes, Hollywood funcionaba como una máquina de mentoría. Defectuosa, claro. La mayoría de quienes entraban ya tenían conexiones o dinero. Pero al menos existía un camino. Los escritores nuevos podían entrar a un “writer’s room”, aprender de profesionales y avanzar.

¿Ahora? Ese sistema casi no existe. Menos series. Menos oportunidades. El trabajo remoto mató el fomento de relaciones y networking. Y la barrera para entrar sigue subiendo. Un ejecutivo de estudio afroamericano me dijo una vez que trabajar en Hollywood es una carrera para aficionados adinerados.

Por eso los YouTubers empezaron a trazar sus propios caminos.

Como Kinigra, quien no intenta infiltrarse. Ya construyó su propia casa.

Está abierta a alianzas con plataformas—si tienen sentido. Ha dicho que quiere crear un mini-Netflix en YouTube, una plataforma donde ella controle todo, desde la idea hasta el estreno. Pero no persigue contratos. Ya tiene audiencia, IP e infraestructura. Si Hollywood quiere entrar, que le entren a su sistema.

Ella lo ha puesto muy claro: podemos hacer una película si queremos. Podemos crear una plataforma de streaming si queremos. No espera a pedir permiso.

¿Y NETFLIX?

Si Kinigra Deon acaba llevando su contenido a Netflix, probablemente no será para seguir haciendo lo mismo. Será para hacer algo más grande: una serie limitada, un largometraje, un salto que alcance a una audiencia aún más grande. Y Netflix—más que cualquier otra plataforma—está en posición de unirse a ese movimiento. Es el YouTube de las suscripciones: global, impulsado por algoritmos y culturalmente omnívoro.

Pero hay que preguntarnos… ¿Le darían la libertad a la que está acostumbrada? ¿La dejarían ir a su ritmo, seguir sus instintos y confiar en su equipo? Tyler Perry consiguió esa autonomía. ¿La tendrá ella?

Tal vez necesite crecer más a su audiencia primero. O tal vez necesite crear algo más grande por su cuenta antes de que cualquier plataforma pueda ver el valor. O tal vez—y esto vale la pena reflexionarlo—es que no necesita ninguna plataforma.

Ya construyó la suya.

EL PANORAMA COMPLETO

En el 2023, el 70 % de sus 160 millones de horas vistas ocurrieron en pantallas de TV. Ha elevado su valor de producción para responder a esa demanda, pero su ética creativa no ha cambiado.

Sigue creyendo que si amas tu trabajo, solo súbelo.

Todo esto regresa a lo mismo: la ingenuidad—no como ignorancia, sino como libertad.

No empezó con un plan de negocios. Empezó con una idea graciosa y un celular. Para cuando la industria la alcanzó, ella ya tenía algo que valía la pena proteger.

Igual que yo en Colombia.
Igual que cada creador que se atrevió antes de saber cómo hacerlo.

Así es como funciona.
Así es como se crece.

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Nunca fui alguien popular en la escuela. Yo era el chico al que le aventaban cartones de leche en el recreo.

En el mundo de los estudios tradicionales, A24 es el niño más “popular” de la escuela.

Lo cual es una locura si consideras que estrenar películas hoy no se trata solo de competir con otras películas, sino de competir con todo. TikTok. Videojuegos. Opciones infinitas en cada feed.

Y, sin embargo, de alguna manera A24 descifró el código.

Este año, mientras daba mi clase en Columbia University sobre la disrupción en los medios, intenté que alguien de A24 viniera a dar una plática.

Me dijeron: “La verdad, no hacemos eso”.

Otro cartón de leche directo a la cara.

Así que, en su lugar, Mitch, de nuestro equipo de Open Gardens, analizó el manual de estrategias de A24.

Lo que descubrimos fue un conjunto de ideas y conceptos a los que los estudios tradicionales deberían poner atención…

A24: Menos Estudio, Más Creador de Culto

A24 podría parecer un estudio tradicional, pero actúa como un creador.

No mercadea como Hollywood, no opera como Hollywood y, lo más importante, no piensa como Hollywood.

Han reescrito las reglas al:

1. Hablar con una voz singular—no corporativa, no genérica, sino inconfundiblemente propia.

2. Curar una audiencia, en lugar de perseguir una—no venden, invitan.

3. Construir comunidad a través del contenido— al igual que los mejores creadores digitales.

¿Los medios tradicionales? Siguen aferrados a grandes presupuestos, audiencias amplias y apuestas seguras. Pero A24 demuestra que lo específico gana.

Domina tu territorio, y tu audiencia te encontrará.

El Manual de Estrategias de A24

1. Hazlo Extraño o Sé Olvidado

A24 no solo escoge guiones; elige cineastas. Aquellos que te hacen preguntarte de qué planeta vienen. No solo hacen películas, las manejan como cócteles Molotov en contra de lo convencional.

Everything Everywhere All at Once tomó el concepto del multiverso y lo convirtió en una crisis existencial. Hereditary no solo asustó, atormentó. Conocen perfectamente a su audiencia y a su comunidad.

2. Deja de Gritar—El Marketing Debe Sentirse Como un Secreto, No un Micrófono

A24 no vende sus películas.

Susurra algo intrigante que te obliga a acercarte. Ya sea danzas inusuales en Midsommar o teasers crípticos con Euphoria, sus campañas son artesanales, hiper-específicas y zero desesperadas.

Sus redes sociales parecen más un moodboard que un canal de marketing. Por eso no tienen que rogarle a su audiencia que comparta: la audiencia quiere hacerlo.

3. Mercancía Que Sienta Como un Club Exclusivo, No Algo Secundario

La mayoría del “merch” de un estudio es un añadido de última hora. El de A24 es una declaración. No estampan un logo en una sudadera; crean artefactos.

El anillo de Uncut Gems. El tapete de Hereditary. No son productos; son reliquias culturales.

La magia está en que su audiencia se convierte en anuncios publicitarios móviles. Usar productos de A24 indica que “entiendes”.

Es un gesto de buen gusto, no de estatus.

4. Authenticity Isn’t a Buzzword—It’s a Strategy

A24 no mercadea por demográfica; mercadea por mentalidades.

Un hombre de 50 años se puede obsesionar con A24 al igual que una adolescente de 14, no por quiénes son, sino por lo que aman. Ese es el cambio de las redes sociales: la gente se organiza alrededor de intereses, no de categorías tradicionales.

A24 entiende esto mejor que nadie. No diluyen su voz para captar una audiencia más amplia.

Se mantienen firmes—y la audiencia los sigue.

Cómo Pueden Pensar Como A24 los Estudios Tradicionales (Sin Imitar)

Los estudios siempre han pensado en términos de IP: secuelas, reboots, remakes.

Pero los creadores no construyen marcas así.

Construyen ecosistemas—cultivando a sus fans de nicho, experimentando con contenido y haciendo crecer audiencias en diversas plataformas antes de escalar a oportunidades mayores.

Algunas ideas basadas en IP existentes de estudios tradicionales.

Universal: El Universo de Stunts de “Fast & Furious” (Sin Más Secuelas)

En lugar de exprimir más películas de “Fast & Furious”, Universal podría entrarle al espacio de creadores de acrobacias al volante: invitar a coordinadores de stunts en YouTube y TikTok para crear contenido de alta adrenalina para una audiencia que ya adora la franquicia.

Lanzan Impossible Driving Stunts, un hub digital de acrobacias imposibles, análisis de secuencias icónicas y retos de manejo con IA. Luego, expanden a shows en estadios, transmitidos en línea con patrocinios.

@fordPart 1: #CarGirl Q&A featuring Stunt Driver Dee Bryant

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El siguiente paso: un reality de competencia de stunt drivers, o incluso una película de terror estilo Blumhouse sobre autos poseídos (Como “Christine”).

Universal deja de hacer más Fast & Furious.

Construye un ecosistema de acrobacias al volante.

Warner Bros.: El Movimiento de Creadores de Deportes de Combate

En lugar de exprimir “Mortal Kombat”, Warner Bros. podría adueñarse de la cultura de peleas subterráneas en línea—MMA callejero, tricking, combate histórico, parkour.

Crean Warrior Lab, un hub en TikTok y YouTube de coreografías de peleas cinematográficas, mini-documentales sobre la física de combates legendarios y un reality global donde peleadores de MMA, kung fu, capoeira y tricking se enfrentan en retos.

No se trata de una nueva película de “Mortal Kombat”. Se trata de convertir a Warner Bros. en la casa cultural del combate cinematográfico.

Disney: La Ola “Cottagecore” y Mitología

En lugar de depender de “Frozen” y “Moana”, Disney podría aprovechar la obsesión creciente por el folklore, la mitología y la estética “cottagecore”.

Lanzan Myths & Lore, un canal de YouTube que mezcla animación de alta calidad con leyendas reales. Luego, introducen un juego AR de exploración mítica y un laboratorio boutique en Disney+ donde artistas reinterpretan tradiciones con estética moderna.

No se trata de más películas de cuentos de hadas.

Se trata de que Disney posea la nueva mitología en línea.

Netflix: Convierte a los Súperfans en Usuarios Poderosos

Netflix ya entiende los fans de nicho, pero ¿si los activara?

Encuentran a un creador obsesionado con las comedias románticas de Netflix (“Bridgerton”, “To All the Boys I’ve Loved Before”) y lo integran al ecosistema. Le dan acceso a clips, permiten remixes, organizan eventos comunitarios y hasta influyen en futuros proyectos en base de las reacciones de los fans en tiempo real.

Una rom-com diseñada en tiempo real a través de conversaciones entre fans y creadores. Netflix podría hacer tests de personajes, lanzar teasers e incluso dejar que la audiencia opine sobre el guión antes de filmar.

Netflix ya domina el comportamiento de la audiencia. Pero al tratar a sus súperfans como participantes activos, podría convertir a sus entusiastas en socios para moldear el futuro de su ecosistema.

La Conclusión

A24 no pretende ser para todos. Ahí radica su superpoder.

Los estudios tradicionales, en cambio, pueden ser para todos—pero no haciendo todo para todos a la vez.

En lugar de verse como una entidad monolítica, los estudios deberían pensarse como una red de creadores, cada uno construyendo su propias verticales impulsadas por audiencias.

A24 es un solo creador con una sola audiencia.

Pero los estudios podrían tener decenas de verticales centrados en creadores—fomentando comunidades, experimentando con monetización y jugando a largo plazo.

Los estudios que van a sobrevivir no sólo poseerán IP.

Poseerán fuertes comunidades de fans.

Y eso cambia todo.

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Así lo resumió Max Reisinger, fundador de Creator Camp y una de las voces jóvenes más emocionantes del nuevo movimiento liderado por creadores. Y tiene razón.

Siempre existirá la demanda para Oppenheimer o Barbie, siempre habrá series como Stranger Things o Wednesday que necesitan tiempo, escala y músculo institucional para existir.

Hollywood, en las circunstancias adecuadas, todavía puede crear cultura, pero cada vez es más raro y complicado lograrlo. La mayor parte de la cultura ahora se mueve a la velocidad del Wi-Fi, y proviene de los creadores, no de los estudios.

La próxima gran disrupción ya viene en camino: comedias de nicho, dramas independientes, películas de terror de bajo presupuesto. Ahí es donde los creadores van a pegar muy fuerte. Y pronto. (Y cuando digo pronto, me refiero a que ya está pasando).

La Lógica de la Economía de Creadores: Lanzar Primero, Descifrar Después

Al empezar a construir nuevos modelos que fusionan nuestra experiencia en cine y televisión con el mundo de creadores, he tenido que dejar atrás muchos de mis instintos antiguos. Una conversación en particular—como casi todas las buenas lecciones—llegó envuelta en una crítica. Fue con una amiga, experta en estrategia y construcción de marcas, que hoy vive inmersa en el mundo de los creadores.

Le conté que habíamos encontrado un espacio de oportunidad, una frontera entre la narrativa tradicional y el contenido en línea, y que quería levantar capital para empezar.

Se rió: “Eres tan Hollywood.”

Me dolió. Pero seguí.

Me explicó: “Así no es como lo hacen los creadores. Empiezan con una idea. La hacen realidad. Y esperan a que atraiga una audiencia. Si funciona, esa audiencia se convierte en comunidad. Y luego construyen a partir de ahí.”

En otras palabras, no parten de la infraestructura, si no de la intuición.

Estudio de Caso: Creator Camp y el Poder del Ingenio

Esa lógica cobró vida cuando leí sobre Creator Camp—un festival de cine de dos días, centrado en creadores, lanzado en Austin por Max Reisinger, Simon Kim y Chris Duncan con un presupuesto de solo $200,000 pero con mucha convicción.

Sin capital. Sin alianzas con estudios. Se autofinanciaron, recurrieron al crowdsourcing, construyeron confianza en línea y simplemente lo lanzaron. Inaugurando en el Paramount Theatre, el evento vendió más de 1,100 boletos, estrenó 10 películas (hechas en tan sólo tres meses) y ofreció algo más auténtico que lo que hemos visto en los medios tradicionales por años.

¿Su historia de origen?

Hace unos años, hartos del contenido sobreproducido en redes sociales, se refugiaron en los bosques de Montana para ver cómo podían replantear la narrativa. De ese momento surgió #YouTubeNewWave—una filosofía de cine desenfrenado y honesto que conecta con audiencias en tiempo real. Desde entonces han organizado encuentros por todo el mundo y, en el otoño de 2024, lanzaron Camp Studios para convertir esa filosofía en una plataforma tangible de cine dirigido por creadores.

Desde aquel retiro, Creator Camp ha evolucionado hasta convertirse en un ecosistema completo. Han organizado retiros y eventos en Colorado, Utah, Nueva York, Francia y Suiza—espacios para desconectar, colaborar y reconectarse con la esencia de la narrativa visual.

Se han asociado con marcas como Coca-Cola y Spotify, han colaborado con oficinas de turismo para apoyar proyectos, y han usado plataformas como Discord para construir comunidad. Al centro de todo, la iniciativa trata de sobresaltar a las compañías tradicionales y diseñar un nuevo modelo económico para el cine independiente: uno impulsado por la conexión, no por la convención.

Pero lo que los distingue no es solo su ejecución ingeniosa, sino la intención de alentar el verdadero oficio. La misión de Creator Camp es tanto educativa como disruptiva: enseñar los fundamentos del cine, fomentar el “craft” y elevar los estándares creativos. No se trata solo de darles acceso a los creadores; se trata de ayudarlos a subir de nivel. Como dijo Max en Colin & Samir: “Si vamos a construir algo duradero, tenemos que preocuparnos por la obra. No solo por el número de vistas, sino por la artesanía.”

Y, de manera crucial, creen que los cines aún importan.

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El Cálculo de la Taquilla—Y Por Qué Podría Funcionar

En la misma entrevista con Colin & Samir, Max propuso que si un director ganara siquiera $250K dólares con el estreno de una película de $100K, eso ya sería un gran éxito.

Hagamos cuentas:

Supongamos que la película cuesta $100K en producir. Súmale otros $100K para dejarla lista para cines—desde mezcla de sonido Dolby Atmos hasta DCP, una campaña de marketing modesta pero seria y quizá un equipo que maneje publicidad digital segmentada. Súmale otros $300K.

Si tus ingresos de taquilla tienen que ser el 50% para recuperar costos, necesitas $1 millón de taquilla. Con un boleto promedio de $10, eso equivale a 100,000 boletos vendidos.

Ahora duplícalo:

200,000 boletos.

Eso son $2,000,000. Y $500K de ganancias.

¿Mitad para el cineasta? Suena justo. Asunto arreglado.

Pero aquí va la pregunta más interesante: si puedes, en teoría, obtener millones de vistas en YouTube, ¿podrías convertir tan solo el 5% de esas personas para ir al cine a ver tu película? Para la película adecuada, parece más que razonable. Este modelo tiene mucho más sentido que el sistema actual. Especialmente si produces esas pequeñas películas con alcance al estilo de Roger Corman.

Slacker—uno de los grandes hits independientes de los 90—recaudó alrededor de $1.2 millones de dólares en taquilla. Ajustado por inflación: $2.86 millones. En su momento fue modesto, pero como quiera un éxito. Lanzó la carrera de Richard Linklater.

Y así hay millones de ejemplos: una audiencia que quería su propio cine, un cineasta que se dirigió a ella y un método de distribución que la alcanzó.

La Lección de los Medios Tradicionales: No Adaptes lo Antiguo—Reaprende

Para quienes crecimos dentro de los muros de los medios tradicionales, esto es profundamente incómodo. Los nuevos modelos no siguen nuestras reglas. Los creadores no esperan a pedir permiso. No planifican cada paso. Plantan semillas y ven qué crece.

La oportunidad para empresas como la mía no es perseguir el próximo momento viral ni engancharnos a la cultura de creadores. Es escuchar, aprender y construir junto a esta nueva corriente—no por encima de ella.

Ya Hemos Estado Aquí Antes—Más o Menos

La disrupción no es nueva. La French New Wave revolucionó el cine europeo. El movimiento de auteurs de los 70s rompió el sistema de estudios. Los 90s nos dieron a Quentin Tarantino, Kevin Smith y Robert Rodriguez (quien básicamente inventó el cine de creadores mucho antes de que se llamara así).

Incluso hubo un momento menos conocido pero visionario a principios de los 2000 cuando Ira Deutchman lanzó Emerging Pictures, conectando proyectores digitales en museos y universidades para crear una red teatral alternativa. Fue uno de los primeros intentos de replantear la distribución teatral para un mundo descentralizado y digital, silenciosamente radical y posiblemente un modelo para lo que venía.

O pensemos en Jason Blum, que casi no logró distribuir “Paranormal Activity”—nadie creía que una película tan barata (incluso más barata que las de Creator Camp) pudiera funcionar. Así que la promocionó de otra manera: mostrando al público gritando en tráilers estilo visión nocturna. Permitió que los fans pidieran proyecciones en sus ciudades. Vio claramente lo que pedía la cultura antes de que tuviera nombre.

Lo que cambia ahora es la escala. Las herramientas son más baratas. La distribución es instantánea. Y la audiencia ya está reunida, esperando a que algo los conmueva.

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Los Creadores Vienen Desde Abajo

He aquí la disrupción, claramente: los creadores no están tratando de hacer “Oppenheimer”. Están intentando hacer ese tipo de películas independientes y más pequeñas que Hollywood ha abandonado—comedias, dramas y piezas de género de bajo presupuesto que antes llenaban los márgenes de la experiencia cinematográfica.

Y si pueden hacerlo a una fracción del costo, promocionarlo con más fluidez y volver a atraer a las personas a experiencias en comunidad, pues eso no es solo un nicho. Es un nuevo comienzo.

Pensemos en el gráfico de disrupción de Doug Shapiro. Siempre empieza en el margen y luego se mueve hacia adentro.

Ahora apliquemoslo al cine. Primero las películas independientes de bajo presupuesto. Luego los de presupuesto medio. Eventualmente, incluso los blockbusters se redefinirán.

Cómo Entra la Industria Tradicional en Todo Esto

¿Entonces, cómo encajan los medios tradicionales en esta nueva etapa?

Primero que nada, hay un nuevo grupo de cineastas emergentes. Y dado que los costos de producción son más bajos que antes, hay artistas jóvenes que antes no podían entrar al modelo independiente de “menos de $5 millones”, y sigue siendo un lugar difícil de penetrar. Esto está abriendo una puerta.

Ahora, cuando un cineasta pase de hacer una película de $100K de dólares a una de $20 millones—si ese es el rumbo que desea—necesitará infraestructura. Necesitará la experiencia y los sistemas que aportan los productores y estudios tradicionales. (Suponiendo que no elijan seguir haciendo películas de la nueva manera, usando sus propias ganancias para crear más, como hacen en YouTube).

En segundo lugar, productores ingeniosos pueden construir incubadoras usando el mismo esquema. Jason Blum podría hacerlo con el género de terror. Chad Stahelski con la acción. Hello Sunshine con historias centradas en mujeres.

Pensemos de nuevo en Blum. Produce de 8 a 10 películas al año, no todas en cines. Pero ¿y si hiciera 24 o 48 o 96? ¿Y una docena fueran a cines? ¿Y dos se convirtieran en el próximo Paranormal Activity?

Hay precedentes. AwesomenessTV y otros han probado versiones similares. Pero la cultura no estaba lista entonces como parece estarlo ahora. El apetito de la gente ha cambiado hacia algo más libre, más directo y potenciado por comunidad.

La pregunta es: ¿seguirán apoyando las audiencias este movimiento si estuviera respaldado por Hollywood?

El Fin—¿O Solo el Comienzo?

No sabemos todavía si esto es un movimiento, pero las señales nos guían para allá.

Entre más investigo, más creo que no estamos yendo hacia una sola disrupción, sino varias. Vivimos en un mundo de noticias escandalosas, donde cada una anuncia el próximo modelo que lo cambiará todo. Pero la verdad es que la disrupción ocurre en todas partes a la vez. Y no habrá un único modelo ganador.

Creator Camp nos ha mostrado un posible camino nuevo. Y habrá muchos más.

Pero escuchar a Max en el podcast de Colin & Samir me recordó la emoción de hacer películas recién salido de mi maestría en cine. La primera que hice costó $200K dólares y éramos quince personas en el equipo.

La segunda la rodamos en Nueva York, México y California—básicamente sin permisos (aunque éramos SAG), robando tomas en el metro, en Chinatown y con un equipo de cinco en la frontera, donde literalmente tuvimos que correr por nuestras vidas cuando los contrabandistas se inquietaron.

Ganamos el Gran Premio del Jurado en Sundance. Luego luchamos por obtener distribución. No pudimos recuperar costos. Ni siquiera cobramos nuestros honorarios de producción.

Y, sin embargo, fue tan divertido. Tan anti-establecimiento. Tan emocionante. Fueron algunas de mis experiencias favoritas “en la industria”. Aunque nos creíamos rebeldes, seguíamos jugando en el mismo terreno que todos los demás—y era muy restrictivo.

Estos muchachos operan con ese mismo espíritu joven e impredecible. Y quizá están construyendo su propio espacio. Si se mantienen enfocados en la calidad y el oficio, y le dan todo lo que tienen, ese impulso los llevará lejos. Y puede que nos recuerde a algunos de nosotros, los de la vieja guardia, la razón por la cual le entramos a esto en primer lugar.

He estado diciendo ya desde hace tiempo que el próximo Sean Baker—el guionista/director de “Anora”—surgirá del espacio de creadores. Alguien haciendo cortometrajes artesanales, encontrando su audiencia no mediante distribuidores o festivales, sino poniendo arte honesto en YouTube y Patreon y dejando que el mundo lo descubra.

Y quizá no sean solo películas. Imaginen lo que un Sean Baker podría hacer con un podcast—algo como Shittown, que empieza como “true crime” y se transforma en una meditación profunda sobre el arte y la humanidad. O funciones itinerantes. O productos que no parezcan productos, sino símbolos emocionales de comunidad. Hasta una disquera curada por nuestro cineasta, que dirige los videos musicales y los entrelaza con sus bandas sonoras—y las lleva a conciertos en vivo y giras.

Será todo un universo. De arte. De historia. De conexión directa. Y si construyen esa comunidad—y la monetizan de manera inteligente y auténtica—se convierte en un ecosistema. Uno que sostiene al artista. Uno que nuestros predecesores de cine independiente nunca tuvieron.

Patreon está preparando el camino. Creator Camp es parte de este movimiento.

Un círculo virtuoso que alimenta a la audiencia. Así el artista no necesita una gran masa de gente para sobrevivir, si no una comunidad leal que mantenga ese círculo girando.

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Si quieres saber cómo funciona una compañía productora moderna, empieza por aquí.

En este momento, nadie lo está haciendo mejor que Reed Duchscher y Night Media. Mientras los estudios tradicionales se apresuran para ponerse al día, Reed está jugando ajedrez en 4D. No solo dirige una compañía de representación de talento: silenciosamente ha construido un híbrido que representa la próxima generación: parte estudio de Hollywood, parte fondo de Silicon Valley, parte incubadora de creadores, parte centro emprendedor.

Reed detecta tendencias mucho antes que los demás. Rastrea los cambios en la tecnología y en el comportamiento, y se adapta en tiempo real—como el Oráculo en Matrix, pero con hojas de cálculo y un servidor de Discord. No solo maneja creadores; está creando la infraestructura para que se conviertan en magnates.

Viniendo yo mismo de los medios tradicionales, es difícil no sentirse como un turista en el futuro de alguien más. Pero esto no se trata de sentirse derrotado, sino de hacerse una radiografía. ¿Y, honestamente? Me encanta esa mentalidad de principiante. Me pone nervioso. Incómodo. Ahí es donde nace lo bueno.

Esto se trata de entender cómo se construyen empresas como Night, en qué apuestan y qué lecciones podemos robarles. Se está abriendo un espacio entre la economía de los creadores y Hollywood—y Night Media lo está trazando antes que nadie.

¿La ironía? La parte de Night que más se parecía al Hollywood tradicional—Night Studios—fue la que no funcionó. Nunca logró tener tracción. Después de dos años intentando alimentar una línea de contenido premium para Netflix y Amazon, la cerraron en el 2024. No todo funciona. Pero si vas a romper esquemas, algunas apuestas fracasarán. Así es como surge la innovación.

Así que, si ti.

La historia de origen: del fútbol al feed

Reed no vino de YouTube, sino de los deportes. Inspirado por Jerry Maguire, jugó fútbol División I en North Dakota State y luego se buscó camino en el negocio de agentes deportivos, trabajando con jugadores de la NFL como Richard Sherman y Odell Beckham Jr. Aprendió a hacer llamadas en frío y a construir algo de la nada.

Pero el terreno estaba cambiando. Vio que sus primos pequeños estaban obsesionados con Dude Perfect, no con Sunday Night Football. Empezó a preguntarse: ¿a dónde se está yendo la atención? Y más importante, ¿cómo la sigo?

Dio el salto en el 2014, llamó a Dude Perfect y los convenció de que lo contrataran. Dejó atrás el mundo de la NFL, se mudó a Dallas con casi nada de dinero y comenzó a hacer tratos con agencias y marcas que apenas entendían YouTube. ¿Uno de sus primeros éxitos? Un trato con Callaway Golf. Aún no era el representante; solo era el tipo que aportaba valor.

Entra MrBeast (y el verdadero alcance)

A principios del 2018, Reed conoció a un tal Jimmy Donaldson (a.k.a. MrBeast). Jimmy tenía entre 1.8 M y 10 M de suscriptores, dependiendo a quien le crees, pero lo que importaba era su visión. Reed la vio instantáneamente. Jimmy estaba creando contenido extraño y pegajoso: contar hasta 100,000, ver “It’s Every Day Bro” mil veces seguidas. Era obsesivo. Pero funcionaba.

Se cayeron bien, y Reed hasta conoció a su mamá. Empezó a salir el negocio: comenzó a cerrar tratos (como con Honey), contrató personal y sentó las bases para lo que hoy es un imperio de creadores.

Poniendo los cimientos: Night Media

Reed fundó Night Media en julio del 2015. Su primer cliente oficial fue Typical Gamer, seguido por Preston Arsement, ambos del mundo de los videojuegos. Estos primeros clientes no eran solo streamers, eran prototipos de la estrategia de Night: manejar talento como si fueran empresas. Ayudarlos a convertirse en operadores. Empujarlos hacia el emprendimiento.

Para el 2020, Night Media ya tenía 10 clientes y mostraba una plantilla de primera:

• MrBeast (Youtube: 382 million | Instagram: 67 millon | X: 32.4 million)

• Preston (Youtube: 30 million | Instagram: 2 million | X: 1.8 million)

• Brianna (Youtube: 20.8 million | Instagram: 897K | X: 54K)

• Unspeakable (Youtube: 8.04 million | Instagram: 1.1 million | X: 156k)

• Typical Gamer (Youtube: 15.7 million | Instagram: 782k | X: 1 million)

• Crainer (Youtube: 7.8 million | Instagram: 385k | X: 282K)

• SSundee (Youtube: 24.8 million | Instagram: 355k | X: 2.4 million)

• Mini Ladd (Youtube: 4.42 million | Instagram: 1.1 million | X: 1.3 million)

• Samara Redway (Youtube: 1.26 million | Instagram: 259K | X: 216.7K)

• Leah Ashe (Youtube: 5.28 million | Instagram: 604K | X: 529.4K)

En conjunto, sumaban más de 1,000,000,000 de visualizaciones mensuales y más de 112 M de seguidores. Reed proclamó a Night como la agencia de talento más grande del país, por views, no por vanidad.

Avanzando hasta el 2024

Hoy, Night Media tiene a más de 65 creadores bajo su plataforma. Algunos establecidos, otros más nuevos:

• Kai Cenat (YouTube: 7.05 million | Instagram: 13.9 million | X: 2.8 million)

• Hasan Piker (YouTube: 229K | Instagram: 1.2 million | X: 1.5 million)

• ZHC (YouTube: 29 million | Instagram: 3.1 million | X: 251K)

• Dream (YouTube: 32 million | Instagram: 2.2 million | X: 2.3 million)

• Safiya Nygaard (YouTube: 10.1 million | Instagram: 1.9 million | TikTok: 2.1 million)

• Cold Ones (YouTube: 3.12 million | Instagram: 346K | X: 371.9K)

• AJ & BIG JUSTICE (Youtube: 269k | Instagram: 539k | X: 41.3k)

• Matt Stonie (YouTube: 16.4 million | Instagram: 464K | X: 66.4K)

• Carter Sharer (YouTube: 10.8 million | Instagram: 977K | TikTok: 6.2 million)

• Azzyland (YouTube: 13.1 million | Instagram: 1.8 million | X: 186.5K)

Reed ahora maneja personalmente solo a unos pocos clientes de primer nivel. Su enfoque pasó del día a día a establecer la estrategia, visión y cultura.

El stack de negocio: más que manejo de talento

Night ya no es solo una agencia de representación. Es una compañía creativa totalmente integrada:

1. Manejo de talento
   Trabajo tradicional de representante: tratos con marcas, alianzas, estrategia de carrera.

2. Construcción de marcas
   Invita a los creadores a pensar como CEOs. Lanzamiento de líneas de producto, propiedad intelectual y nuevos negocios.

3. Night Labs
   Un incubador de ventures interno que co-crea empresas con talento. Éxitos y fracasos:

   1. Feastables: más de $10 M de dólares de ingresos mensuales a finales de 2023. Una nave.

   2. MrBeast Burger: despegó con fuerza pero luego fracasó—problemas de calidad, demandas, drama.

4. Night Ventures
   Un fondo de VC en etapa temprana de $20 M de dólares lanzado en 2021. Con los creadores de Night como inversionistas. Invierte hasta $300 mil dólares por cheque.

   
   Inversiones destacadas:

   1. Beacons, PearPop, Pinata Farms, Creative Juice (herramientas para creadores)

   2. Bitski, Zora, Views (Web3); Lolli, Yotta, Italic, Public.com (fintech)

   3. Dorian, Bright Star Studios, 100 Thieves (videojuegos)

   4. Alt, Hey Hero, Haus (consumidor).

   Resultados diversos hasta ahora, pero Feastables y PearPop han mostrado potencial.

5. Night Capital
   Una asociación de $100 M dólares con The Chernin Group (lanzada en 2022). Meta: comprar acciones mayoritarias en marcas de consumo y hacerlas crecer a través de alianzas con creadores.

Primer gran movimiento: The Roost Podcast Network—hogar de Theo Von, H3, Philip DeFranco y otros—con 350 M de vistas y 20 M de descargas de audio mensuales.

La estructura: cómo encaja todo

• Night Inc. : la compañía general

• Night Media: manejo de talento (65+ creadores, presidida por Ezra Cooperstein)

• Night Ventures: fondo semilla (Inversionistas: Reed, Ezra, Ben Mathews)

• Night Capital: asociación con The Chernin Group (Junta Directiva: Reed, Mike Kerns, Alexandra Moore)

• Night Labs: incubadora de marcas creadas por creadores

• The Roost: red de podcasts adquirida en 2024

• LFM Management: adquirida en 2023 (Kai Cenat y otros)

Cada pieza refuerza a las demás. No es una serie de proyectos secundarios, sino un motor de impulso: los creadores empujan el valor de sus marcas, esas marcas alimentan inversiones, la empresa captura la propiedad intelectual, y el capital lo hace crecer todo.

Después de MrBeast

MrBeast asumió más control de su imperio en el 2024. Eso debió de haber sacudido a Night Media. Pero no lo hizo.

Porque Night no es una agencia de talento: es una máquina.

Reed Duchscher está haciendo lo que los medios tradicionales aún no han descubierto: tratar a los creadores como CEOs de sus propias compañías, no como fábricas de contenido.

Si aún usas la palabra “influencer” sin ironía, ya vas atrasado.

Entonces, ¿ahora qué?

Si eres Televisa, TV Globo, o cualquier compañía tradicional con recursos y una experiencia demostrada—por aquí hay un camino. Pero no basta con añadir un “vertical de creadores” y esperar que funcione. Debes replantear tu estructura por completo.

Empieza como lo hizo Reed: con alineación. Su éxito no vino de perseguir la fama, sino de elegir creadores con visión y obsesión, y luego construir sistemas a su alrededor para crecer. Esa es la estrategia.

¿Y tú, qué haces? Asóciate temprano. Encuentra creadores antes de que sean imperios completos, pero después de que hayan demostrado que tienen el poder de capturar audiencias. Comparte la propiedad. No solo de la IP, sino de las ganancias también: inclúyelos en las juntas donde se define la estrategia, no solo donde se crea el contenido. Construye sobre tus modelos de negocio, no sobre plataformas. Reed no le apuesta a TikTok o a YouTube: le apuesta a los creadores, y luego los ayuda a construir productos, shows, herramientas y empresas. Aporta valor sin asfixiar. Night no necesitó ser dueña de MrBeast para ayudarlo a ganar. Esa es la jugada: apoyar sin sofocar.

Lo que hizo Reed no es abandonar lo tradicional, sino replantear la distribución. Tratar a los creadores como estudios y a los estudios como startups.

Las áreas de oportunidad están abiertas.

¿Será que Reed intentó entrar a los medios tradicionales demasiado pronto? Tal vez. Ya estamos viendo a más creadores adentrarse en ese espacio: Netflix y Amazon están adquiriendo contenido liderado por creadores, y las audiencias están demostrando que acudirán. Así que quizá Night Studios estuvo muy adelantado. O quizá fue una advertencia: las nuevas compañías de medios no necesitan la validación de las plataformas tradicionales, y no deberían esperar.

Mi instinto me dice que, a corto plazo, aún hay oportunidad en estos medios tradicionales. Para creadores que quieran hacer contenido de alto nivel cinematográfico, esas plataformas ofrecen alcance, escala y prestigio. Pero a largo plazo—cuando el contenido llegue a una especie de singularidad y los últimos muros entre lo viejo y lo nuevo se caigan—los creadores no necesitarán permiso para producir contenido “al estilo tradicional”. Simplemente lo harán. Y lo monetizarán y distribuirán como ellos quieran: en Patreon, en plataformas de pago como Jost, en YouTube.

Los estudios que van a sobrevivir no serán los que se aferren a lo antiguo. Serán los que migren. Los que construyan donde ya están las audiencias. Los que operen en las nuevas áreas de oportunidad.

Así es como se sobreviven los cambios.

No, así es como se lideran.

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